Qu’est-ce que la conception graphique ? Histoire et origines

La conception graphique est une profession dont l’activité consiste à concevoir, programmer et créer des communications visuelles, généralement produites par des moyens industriels et destinées à transmettre des messages spécifiques à des groupes sociaux spécifiques, dans un but précis. C’est l’activité qui permet de communiquer graphiquement des idées, des faits et des valeurs traités et synthétisés en termes de forme et de communication, sociale, culturelle, économique, esthétique et technologique. Également connu sous le nom de conception de communication visuelle, car certains associent le mot figure uniquement à l’industrie de l’imprimerie, et comprennent que les messages visuels sont acheminés par de nombreux médias, et pas seulement par l’imprimé.

Compte tenu de la croissance massive et rapide des échanges d’informations, la demande de graphistes est plus forte que jamais, notamment en raison du développement des nouvelles technologies et de la nécessité de prêter attention aux facteurs humains qui dépassent la compétence des ingénieurs qui les développent.

Certaines classifications sont largement utilisées dans le domaine de la conception graphique : conception publicitaire, conception éditoriale, conception de l’identité d’entreprise, conception de sites web, conception d’emballages, conception typographique, conception de la signalisation, conception multimédia, entre autres.

Histoire de la conception graphique

La définition de la profession de graphiste est assez récente, en ce qui concerne sa préparation, ses activités et ses objectifs. Bien qu’il n’y ait pas de consensus sur la date exacte de la naissance du graphisme, certaines datent de l’entre-deux-guerres. D’autres comprennent qu’il commence à s’identifier comme tel à la fin du XIXe siècle.

On peut dire que les objectifs spécifiques des communications graphiques trouvent leur origine dans les peintures rupestres du paléolithique et la naissance du langage écrit au troisième millénaire avant J.-C. C. Mais les différences dans les méthodes de travail et la formation requise des sciences auxiliaires sont telles qu’il n’est pas possible d’identifier clairement le graphiste actuel avec l’homme préhistorique, avec le xylographe du XVe siècle ou le lithographe de 1890.

La diversité des opinions reflète le fait que certains ne considèrent comme produit de la conception graphique et de toute autre démonstration graphique que ceux qui résultent de l’application d’un modèle de production industrielle, ces manifestations visuelles qui ont été « projetées » en contemplant des besoins de différents types : productifs, symboliques, ergonomiques, contextuels, etc.

Contexte

Une page du Livre de Kells : Le folio 114, avec un texte décoré, contient le Tunc dicit illis. Un exemple d’art et de mise en page du Moyen Âge.

Le Book of Kells – une Bible manuscrite richement illustrée par des moines irlandais au IXe siècle de notre ère – est pour certains un très bel exemple de concept de graphisme précoce. C’est une démonstration graphique d’une grande valeur artistique, de haute qualité, et qui constitue même un modèle pour l’apprentissage de la conception – pour une qualité qui dépasse même celle de nombreuses productions éditoriales actuelles, et aussi d’un point de vue fonctionnel contemporain. Cette pièce graphique répond à tous les besoins présentés par l’équipe de personnes qui l’ont réalisée, mais d’autres pensent qu’il s’agirait d’un produit de conception graphique, car ils comprennent que leur conception n’est pas adaptée à l’idée de projet de conception graphique actuel.

L’histoire de la typographie – et par transitive, également l’histoire du livre – est étroitement liée à la conception graphique, cela peut être dû au fait qu’il n’y a pratiquement pas de conception graphique qui n’inclut pas le graphisme de ces articles. Ainsi, en parlant de l’histoire du graphisme, la typographie a également cité la colonne de Trajan, les miniatures médiévales, l’imprimerie de Johannes Gutenberg, l’évolution de l’industrie du livre, les affiches Mouvement des arts et métiers parisiens (Arts and Crafts), William Morris, Bauhaus, etc. « 

L’introduction des caractères mobiles par Johannes Gutenberg rend les livres moins chers à produire et facilite leur diffusion. Les premiers livres imprimés (incunables) ont servi de modèle jusqu’au XXe siècle. La conception graphique de cette époque est devenue connue sous le nom d’Old Style (en particulier les polices de caractères utilisées par ces premiers typographes), ou Humaniste, en raison de l’école philosophique prédominante de l’époque.

Après Gutenberg, aucun changement significatif n’a été observé avant la fin du XIXe siècle, en particulier en Grande-Bretagne, où l’on s’est efforcé de créer une division claire entre les beaux-arts et les arts appliqués.

Au XIXe siècle, les

Première page du livre « The Nature of Gothic » de John Ruskin, publié par la Kelmscott Press. The Arts and Crafts » vise à faire revivre l’art médiéval, l’inspiration dans la nature et le travail manuel.

Au cours du XIXe siècle, la conception des messages visuels était confiée alternativement à deux professionnels : l’artiste ou l’éditeur. Le premier était formé comme artiste et le second comme artisan, souvent tous deux dans les mêmes écoles d’art et d’artisanat. Pour l’imprimeur, l’art consistait à utiliser des ornements et à sélectionner les polices de caractères imprimées dans ses compositions. L’artiste voyait la typographie comme un enfant et accordait plus d’attention aux éléments ornementaux et illustratifs.

Entre 1891 et 1896, la William Morris Kelmscott Press a publié certains des produits graphiques les plus importants du Mouvement des arts et métiers (Arts and Crafts), et a établi une entreprise lucrative basée sur la conception de livres d’un grand raffinement stylistique et les vendant aux classes supérieures comme articles de luxe. Morris a prouvé qu’il existait un marché pour les œuvres de design graphique, établissant la séparation du design de la production et des beaux-arts. Le travail de la Kelmscott Press se caractérise par sa recréation de styles historiques, notamment médiévaux.

Les premières avant-gardes

Affiche pour le Moulin Rouge à Paris. Réalisée par Henri de Toulouse-Lautrec avec une lithographie couleur en 1891. Grâce à l’Art Nouveau, la composition a gagné en clarté graphique et visuelle.

Isotype du Bauhaus. Fondé en 1919 par Walter Gropius, est considéré comme le lieu de naissance de la profession de graphiste.

Affiche donnée pour la Matinée. Réalisée par Theo van Doesburg en janvier 1923. L’organisation des polices de caractères libres, exprime l’esprit du mouvement Dada, l’irrationalité, pour la liberté et s’oppose au statu quo et aux expressions visuelles de l’époque.

Conception de l’identité visuelle de la Lufthansa, par le groupe de développement 5 du HFG Ulm. L’école d’Ulm a été un point d’inflexion dans l’histoire du design, puisqu’il y est décrit la profession de designer à travers une méthodologie scientifique.

Conception de pictogrammes actuels pour le National Park Service des États-Unis. L’idée de simplifier les formes des symboles s’est développée dans les années 1950.

Le design du début du XXe siècle, ainsi que les beaux-arts de la même période, étaient une réaction contre la décadence de la typographie et du design de la fin du XIXe siècle.

L’intérêt pour l’ornementation et la prolifération des changements de mesure et du style typographique monobloc, synonyme de bon design, est une idée qui s’est maintenue jusqu’à la fin du XIXe siècle. L’Art nouveau, avec son désir stylistique évident, était un mouvement qui a contribué à une composition visuelle d’ordre supérieur. Tout en maintenant un niveau élevé de complexité formelle, il le faisait dans le cadre d’une forte cohérence visuelle, en écartant la variation des styles typographiques dans une seule pièce graphique.

Les mouvements artistiques de la deuxième décennie du XXe siècle et les troubles politiques qui les ont accompagnés ont généré des changements spectaculaires dans la conception graphique. Les Dada, De Stijl, le suprématisme, le cubisme, le constructivisme, le futurisme, le Bauhaus et ont créé une nouvelle vision qui a influencé toutes les branches des arts visuels et du design. Tous ces mouvements se sont opposés aux arts décoratifs et populaires, ainsi qu’à l’Art Nouveau, qui, sous l’influence du nouvel intérêt pour la géométrie, a évolué vers l’Art Déco. Tous ces mouvements étaient un esprit révisionniste et transgressif dans tous les arts de l’époque. Cette période a également vu la prolifération de publications et de manifestes à travers lesquels les artistes et les éducateurs exprimaient leurs opinions.

Au cours des années 1930 se développent pour la composition des aspects intéressants de la conception graphique. Le changement de style graphique a été significatif car il montre une réaction contre l’éclectisme ornementaliste et l’organicisme de l’époque et propose un style plus dépouillé et géométrique. Ce style, lié au constructivisme, au suprématisme, au néoplasticisme, à De Stijl et au Bauhaus, a exercé une influence durable et incontournable dans le développement du graphisme du XXe siècle. Un autre élément important en relation avec la pratique professionnelle, était l’utilisation croissante de la forme visuelle comme élément de communication. Cet élément est apparu principalement dans les dessins produits par les Dada et De Stijl.

Le symbole de la typographie moderne est la police de caractères sans empattement ou à empattement, inspirée des types industriels de la fin du XIXe siècle. On peut citer Edward Johnston, auteur de la police de caractères du métro de Londres, et Eric Gill.

Écoles de design

Jan Tschichold a incarné les principes de la typographie moderne dans son livre de 1928, New Typography. Il a par la suite répudié la philosophie présentée dans ce livre, la qualifiant de fasciste, mais est resté très influent. Herbert Bayer, qui dirigea de 1925 à 1928 l’atelier de typographie et de publicité du Bauhaus, créa les conditions d’une nouvelle profession : celle de graphiste. Il inscrivit le sujet « Publicité » dans le programme d’enseignement comprenant, entre autres, l’analyse des supports publicitaires et la psychologie de la publicité. Notamment, le premier à définir le terme « graphisme » est le concepteur et typographe William Addison Dwiggins en 1922.

Ainsi, Tschichold, Herbert Bayer, László Moholy-Nagy et El Lissitzky sont devenus les parents du graphisme tel que nous le connaissons aujourd’hui. Ils ont été les pionniers des techniques de production et des styles qui ont été utilisés par la suite. Aujourd’hui, les ordinateurs ont considérablement modifié les systèmes de production, mais l’approche qui a contribué à la conception expérimentale est plus pertinente que jamais : dynamisme, expérimentation et même des choses très spécifiques comme le choix des polices de caractères (l’Helvetica est une renaissance, à l’origine une conception typographique basée sur l’industriel du XIXe siècle) et des compositions orthogonales.

Dans les années qui ont suivi, le style moderne a été accepté, mais a stagné. Les noms les plus connus du design moderne du milieu du siècle sont Adrian Frutiger, créateur des polices de caractères Univers et Frutiger, et Josef Müller-Brockmann, grande affiche des années 50 et 60.

La Hochschule für Gestaltung (HFG) d’Ulm a été une autre institution clé dans le développement de la profession de graphiste. Dès sa fondation, la HFG s’est distancée d’une éventuelle affiliation à la publicité. Au début, le département concerné s’appelait Visual Design, mais il est rapidement devenu évident que son objectif actuel était de résoudre les problèmes de conception dans le domaine de la communication de masse ; au cours de l’année universitaire 1956-1957, le nom a été changé en Department of Visual Communication, modelé Visual Communication Department au New Bauhaus de Chicago.2 3 Au sein de la HFG d’Ulm, on a décidé de travailler principalement dans le domaine de la communication persuasive dans des domaines tels que les systèmes de signalisation routière, les plans d’équipement technique ou la traduction visuelle de contenus scientifiques. Jusqu’à cette époque, ces domaines n’étaient pas systématiquement enseignés dans les autres écoles européennes. Au début des années 70, les membres du Bund Deutscher Grafik-Designer (Association des graphistes allemands), ont dévoilé plusieurs caractéristiques de leur identité professionnelle, comme dans le cas d’Anton Stankowski entre autres. Alors qu’en 1962, la définition officielle de la profession s’orientait presque exclusivement vers la publicité, aujourd’hui élargie pour inclure des domaines situés sous la rubrique du visuel de communication.4 Les images d’entreprise produites par le groupe de développement 5 de la HFG Ulm, telles que celles créées pour la firme Braun ou la compagnie aérienne Lufthansa, ont également été déterminantes pour cette nouvelle identité professionnelle.

Gui Bonsiepe et Tomas Maldonado ont été deux des premiers à essayer d’appliquer les idées de conception à partir de la sémantique. Lors d’un séminaire tenu au HFG d’Ulm en 1956, Maldonado a proposé de moderniser la rhétorique, art classique de la persuasion. Maldonado Bonsiepe et a ensuite écrit plusieurs articles sur la sémiotique et la rhétorique pour la publication anglaise en majuscules et le magazine d’Ulm qui seraient une ressource importante pour les concepteurs dans ce domaine. Bonsiepe a suggéré qu’il était nécessaire d’avoir un système moderne de rhétorique, de sémiotique mis à jour comme outil pour décrire et analyser les phénomènes de la publicité. L’utilisation de cette terminologie, pourrait exposer la « structure omniprésente » d’un message publicitario.5

L’idée de simplicité et de bonne conception s’est poursuivie pendant de nombreuses années, non seulement dans la conception des alphabets mais aussi dans d’autres domaines. La tendance à la simplification a influencé tous les moyens à l’avant-garde de la conception dans les années 1950. À cette époque, un consensus s’est dégagé sur le fait qu’un alphabet simple était non seulement l’équivalent d’un bon alphabet, mais aussi un équivalent plus lisible. L’un des domaines les plus touchés a été la conception de symboles. Les concepteurs se sont demandé comment les simplifier sans détruire sa fonction informative. Cependant, des enquêtes récentes ont montré que la simplification de la forme d’un seul symbole n’augmente pas nécessairement la lisibilité.

Deuxième avant-garde

La réaction à la sobriété croissante de la conception graphique a été lente mais inexorable. Les origines des polices postmodernes remontent au mouvement humaniste des années 50. Dans ce groupe, on peut citer Hermann Zapf, qui a conçu deux polices de caractères aujourd’hui omniprésentes : Palatino (1948) et Best (1952). En brouillant la ligne entre les polices avec empattement et sans empattement et en réintroduisant des lignes organiques dans les paroles, ces dessins ont davantage servi à ratifier le mouvement moderne de rébellion contre lui.

Une étape importante a été la publication du Manifeste, les premières choses d’abord (1964), qui était un appel à une forme plus radicale de conception graphique, critiquant l’idée d’une conception en série sans valeur. Il a eu une influence massive sur une nouvelle génération de graphistes, contribuant à l’émergence de publications telles que le magazine Emigre.

Un autre designer notable de la fin du XXe siècle est Milton Glaser, qui a conçu l’incomparable campagne I Love NY (1973), ainsi qu’une célèbre affiche de Bob Dylan (1968). Glaser a repris des éléments de la culture populaire des années soixante et soixante-dix.

Les progrès du début du XXe siècle ont été fortement inspirés par les avancées technologiques de la photographie et de l’impression. Dans la dernière décennie du siècle, la technologie a joué un rôle similaire, mais cette fois-ci, il s’agissait d’ordinateurs. Au début, c’était un recul. Zuzana Licko a bientôt commencé à utiliser les ordinateurs pour ses compositions, lorsque la mémoire des ordinateurs était mesurée en kilo-octets et que les polices de caractères étaient créées par des points. Elle et son mari, Rudy VanderLans, ont fondé le magazine pionnier Emigre et la fonderie de caractères du même nom. Ils ont joué avec les limites extraordinaires des ordinateurs, libérant ainsi une grande puissance créatrice. Le magazine Emigre est devenu la bible du design numérique.

David Carson est le point culminant du mouvement contre la sobriété de la contrition et le design moderne. Certains de ses dessins pour le magazine Raygun sont intentionnellement illisibles, conçus pour être plus visuels que des expériences littéraires.

Le temps présent

Aujourd’hui, une grande partie du travail des graphistes est assistée par des outils numériques. La conception graphique a énormément changé grâce aux ordinateurs. À partir de 1984, avec l’apparition des premiers systèmes de publication assistée par ordinateur, les ordinateurs personnels ont progressivement remplacé toutes les procédures techniques de nature analogique pour les systèmes numériques. L’ordinateur est ainsi devenu un outil indispensable et, avec l’avènement de l’hypertexte et du web, ses fonctions ont été étendues en tant que moyen de communication. En outre, la technologie a également été remarquée avec l’essor du télétravail et le crowd sourcing spécial a commencé à intervenir dans les modalités de travail. Ce changement a accru la nécessité de réfléchir sur le temps, le mouvement et l’interactivité. Malgré cela, la pratique professionnelle du design n’a pas été un changement essentiel. Si les formes de production ont changé et les canaux de communication ont été étendus, les concepts fondamentaux qui nous permettent de comprendre la communication humaine restent les mêmes.

Performances et compétences professionnelles

La capacité à concevoir n’est pas innée, mais s’acquiert par la pratique et la réflexion. Elle n’en reste pas moins une option, une chose potentiellement. Pour exploiter ce pouvoir, il faut une formation continue et de la pratique, car il est très difficile à acquérir par intuition. La créativité, l’innovation et la pensée latérale sont des compétences clés pour les performances professionnelles des graphistes. La créativité en matière de design existe dans des cadres de référence établis, mais c’est surtout une compétence cultivée pour trouver des solutions inattendues à des problèmes apparemment insolubles. Cela se traduit par un travail de conception de très haut niveau et de qualité. L’acte créatif est au cœur du gestionnaire du processus de design, mais la créativité elle-même n’est pas un acte de design. Cependant, la créativité n’est pas une performance graphique exclusive et n’est pas une profession, bien qu’elle soit absolument nécessaire à la bonne exécution du travail de conception.

Le rôle du graphiste dans le processus de communication est celui de l’encodeur ou de l’interprète qui travaille à l’interprétation, l’organisation et la présentation des messages visuels. Sa sensibilité à la forme doit être parallèle à sa sensibilité au contenu. Ce travail porte sur la planification et la structuration des communications, sur leur production et leur évaluation. Le travail de conception est toujours basé sur la demande du client, demande qui est finalement établie linguistiquement, soit oralement soit par écrit. Cela signifie que la conception graphique transforme un message linguistique en une démonstration visuelle.

La conception graphique professionnelle fonctionne rarement avec des messages non verbaux. Parfois, le mot apparaît brièvement, et dans d’autres textes, il apparaît comme complexe. Le rédacteur est souvent un membre essentiel de l’équipe de communication.

L’activité de conception graphique nécessite souvent la participation d’une équipe de professionnels, tels que des photographes, des illustrateurs, des illustrateurs techniques, y compris des professionnels moins liés au message visuel. Le concepteur est souvent un coordinateur de diverses disciplines qui contribuent à la production du message visuel. Ainsi, il coordonne sa recherche, sa conception et sa production, en utilisant des informations ou des spécialistes en fonction des exigences des différents projets.

Le design graphique est interdisciplinaire et le designer doit donc avoir des connaissances dans d’autres activités telles que la photographie, le dessin à main levée, le dessin technique, la géométrie descriptive, la psychologie de la perception, la psychologie de la Gestalt, la sémiologie, la typographie, la technologie et la communication.

Le graphiste professionnel est un spécialiste de la communication visuelle et son travail est lié à toutes les étapes du processus de communication, dans lequel l’action de créer un objet visuel n’est qu’un aspect de ce processus. Ce processus comprend les éléments suivants :

Définir le problème.

Le ciblage.

Conception de la stratégie de communication.

L’affichage.

Production du calendrier.

Suivi de la production.

Évaluation.

Ce processus nécessite que le concepteur possède une connaissance approfondie des domaines de :

Communication visuelle.

Communication.

Perception visuelle.

Gestion des ressources financières et humaines.

Technologie.

Médias.